FELICIDADES FRIEDA...

6 de julio de 1907, Coyoacán, nace una niña destinada a ser una de las mejores respresentantes del arte mexicano del siglo XX. Qué dura fue la vida contigo y cómo la querías a pesar de todo...

Y NEFERTITI VIO LA LUZ...

Bueno, bueno, bueno... Ultimamente de efemérides va la cosa, pero es que la de hoy era imposible que se me pudiera pasar... 29 de agosto de 1912, cien años hace ya del descubrimiento del busto de la gran Nefertiti, grande en belleza, implícita ya en su propio nombre, y por lo visto también en inteligencia, o al menos eso van demostrando poco a poco los entendidos, por cuanto de influencia política y religiosa tuvo durante el reinado de su controvertido esposo Akenatón, padre del monoteísmo.

Del descubrimiento tuvo la suerte de ser protagonista el arqueólogo alemán Ludwig Borchardt, que se encontraba excavando el taller de Tutmose, artesano, maestro y escultor real del faraón; en dicho taller también se encontró, dicho sea de paso, un busto de Akenatón hecho añicos, muy posiblemente por alguno de los múltiples enemigos que se granjeó durante su mandato.

Ya conocéis mi amor por Egipto y mi predilección por este busto milenario de caliza y yeso policromado, que incluso me acompaña como identificación en los perfiles de varios sitios que frecuento; me gusta identificarme con ella por todo lo que representa: belleza, serenidad, inteligencia, intuición, armonía, firmeza, convicción... No pretendo ser pretenciosa, es admiración, como si hubiera conocido a la mismísima Nefertiti y supiera que realmente era una persona fascinante... Además, creo que es una de las primeras imágenes que impactaron mi adolescente retina y sembraron en mí la pasión por el Arte y la Historia.
Me gustaría verla en directo pronto, por ejemplo en la exposición que se celebra con motivo de este 100 aniversario de su descubrimiento, en el Neues Museum de Berlín, su primer emplazamiento, donde ha vuelto recientemente después de décadas de peregrinaje, puesto que el edificio fue destruido durante la II Guerra Mundial y ha sido objeto de una costosísima reconstrucción... Para que luego digan que Egipto es peligroso, que la pieza está más segura en Alemania y que no la pueden trasladar a su lugar de origen por su extremada fragilidad... Ojalá cuando la vea sea ya en el Museo Egipcio de El Cairo, porque Alemania sí que me parece a mi peligrosa...

BREVE RECUERDO PARA POMPEI

No se me podía pasar en este día el recuerdo de una catástrofe de semejante calibre, increiblemente terrible, pero al mismo tiempo fascinante y al que le debemos la mejor conservación de ciudad del siglo I D.C. Tal día como hoy, en el año 79, la tierra tembló, pero los pompeyanos siguieron con sus quehaceres como si nada, acostumbrados como estaban a movimientos sísmicos de cuando en cuando; lo que no era normal era la espesa nube oscura que salía del  Mons Vesuvius y los estruendos que la acompañaban, aunque lo peor fueron las cenizas y piedras volcánicas que escupió el volcán durante cerca de 20 horas, que sepultaron una ciudad ya practicamente fantasma, puesto que sus habitantes fueron muriendo poco a poco debido al calor abrasador y los gases tóxicos que se expandieron rápidamente entre sus calles.

Esta visión aterradora, que podéis ver perfectamente descrita en el documental "El último día de Pompeya", se vuelve seductora al visitar la desenterrada Pompei: sus calles empedradas, sus "pasos de cebra", sus muros intactos, sus frescos decorativos, sus tabernae solitarias... todo desprende una atracción embriagadora que es difícil de olvidar.

Aniversario tétrico donde los haya, pero me recuerda que tengo que volver allí para volver a viajar en el tiempo...

21 DE AGOSTO

Siempre ando buscando efemérides de nacimientos, defunciones y hechos importantes, para rememorar y acercar a quién se asoma en mi facebook o mi blog pedacitos de la Historia del Arte... Hoy tiene más sentido para mí hacerlo, pues tal día como hoy, hace 36 años, nació la persona que más conozco y que más soporto (a veces a duras penas): Yo, la misma que escribe, suscribe y rubrica cada uno de los post de este blog que forma parte de mi vida de una manera que no os podéis imaginar...

Pues bien, hoy comparto aniversario con un hecho histórico no exento de cierta ironía: el robo de la Mona Lisa del Museo de El Louvre, en 1911. ¿Que porqué es irónico? Desde que tengo algo de "conocimiento artístico" he pensado que Leonardo es un genio, un adelantado a su tiempo, un visionario, un sabio, un prestidigitador de las ideas, en definitiva el mejor ejemplo de Humanista del Renacimiento... pero sobre todo se le valora como artísta, a pesar de que a lo que menos se dedicó fue precisamente al Arte. Como mente inquieta que era, también hizo descubrimientos en el campo artístico como su celebrado "sfumato", descrito por él mismo como "sin líneas o bordes, en forma de humo o más allá del plano de enfoque". Era un dibujante extraordinario, superando con creces a su maestro Andrea Verrochio, y se atrevió a afrontar empresas tan complicadas como La Ultima Cena, un mural de 4,60 m. x 8,80 m. realizado en temple y óleo sobre yeso (de ahí su aspecto tan deteriorado), o una estatua ecuestre para el señor Francisco I Sforza, proyectada para llevarse acabo con setenta toneladas de bronce nada más y nada menos, aunque nunca llegó a terminarse. El caso es que, y volviendo al tema de la Mona Lisa, a pesar de toda la admiración que Leonardo me inspira, nunca he entendido porqué esa pintura es tan sumamente admirada; incluso me irrita tanto estudio y tanta conjetura sobre la dichosa sonrisa que, sinceramente, no la veo tan "enigmática"... ¿No será que la vemos enigmática porque nos han dicho que es enigmática? Del mismo modo que todos hemos aceptado que es una gran obra maestra sin cuestionarla siquiera. Sigo esperando que alguien me de un motivo convincente de tanta euforia por tan poco cuadro... y no lo digo sólo por el tamaño.

Ya sabemos que para gustos están los colores y se ve que al ladrón de 1911, un tal Vicenzo Peruggia, le gustaba la Mona Lisa o quizás pensara que la misteriosa risita de la Gioconda tendría fácil comprador. Lo que sí resultó fácil fue el robo, que consistió en esconderse en un armario, salir por la noche cuando habían cerrado el museo y esconderlo debajo de una bata blanca, como las usadas por el personal de mantenimiento; tan fácil fue que, hasta el día de hoy, siguen las dudas del dichoso hurto en cuestión y creo que es considerablemente mayor el misterio que origina un pillaje tan descarado y facilón, que la sonrisita de una mujer en un cuadro, por mucho sfumato que tenga, y más teniendo en cuenta que incluso se interrogó a Pablo Picasso y el poeta surrealista Guillaume Apollinaire pasó unos días en prisión... Finalmente, en 1913 la Mona Lisa apareció, cuando el ladrón quiso venderlo a un marcharte de arte florentino, pues quería que el cuadro volviera al país natal de Leonardo, lo que le convirtió practicamente en un héroe en Italia.

En fín, seguiré con la celebración de mi cumpleaños, que 36 años sólo se cumplen una vez en la vida, y voy a ver si entre los regalos me encuentro algo interesante, una Mona Lisa por ejemplo, o una bata blanca para ir a verla... aunque no se si ya dejarán entrar al museo con esa indumentaria... 

2012 AÑO DE KLIMT

Como no podía ser de otro modo, mi primer pensamiento del 2012 para este blog está dedicado a uno de mis artistas favoritos, Gustav Klimt, pues desde mi más modesta opinión lo considero uno de los más altos representantes del modernismo, no sólo vienés, al menos en lo que se refiere a su faceta como pintor y muralista, porque también tengo que reconocer que la arquitectura Art Nouveau belga y el Modernismo español, con sus regionalismos, me fascinan. En cualquier caso, me enamoré de su archiconocido "Beso" y su "Arbol de la vida" hace ya mucho tiempo, y contemplando sus obras siempre he encontrado algo nuevo y sorprendente en su producción.



"Arbol de la vida" (1909)

El 14 de julio de 1862, vino a nacer en un pueblito cerca de Viena el segundo hijo de una familia abocada a saltar a los libros de Historia por gracia de alguno de sus miembros, o mejor dicho por el Arte de alguno de sus miembros, pues tanto sus hermanos como sus padres mostraban inclinaciones artísticas; pero la fortuna y, sobre todo, la "excelencia" hizo que fuera Gustav quien saliera del anonimato y de la pobreza de manos de una beca para estudiar en la Escuela de Artes y Oficios de Viena, la  Kunstgewerbeschule. Este insigne lugar de nombre tan difilcultoso fue el que vió crecer como artista al joven Klimt y lo encaminó a ser, años después, miembro fundador de la Secesión vienesa (1897), rebelándose contra un concepto del Arte que ya estaba obsoleto; tal y como rezaba en la puerta de entrada a la sede de la Secesión en Viena: "Der Zeit ihre Kunst-der Kunst ihre Freiheit" ("A cada época su arte. Al arte su libertad"). El movimiento moderno empezaba así a cambiar el arte europeo, rompiendo con la tradición academicista y llevando a la práctica sus ideales de libertad y naturalismo, fiel reflejo de un contexto histórico en el que el pensamiento liberal y el auge de la burguesía eran los protagonistas.

Sede de la Secesión en Viena (1897)
Joseph Maria Olbrich

Para celebrar el 150 aniversario de su nacimiento, Viena va a exhibir en sus museos durante el recién estrenado 2012, el orgullo de ser la ciudad que legitimó al artista: el Belvedere, el Kunsthistorisches Museum, la Künstlerhaus, el Museo Leopold, entre otros, mostrarán la vida y obra de Gustav Klimt a todo aquel afortunado que tenga a bien viajar al país de los valses. Yo voy a intentar ser una de esas afortunadas, aprovechando cierto viajecito que tengo pendiente este año, y llegaré al éxtasis espiritual delante de "El Beso" en el Belvedere, porque por más que le echo imaginación, la reproducción que tengo en mi dormitorio sólo me alcanza para un cierto goce estético.

FREDDY Y HENRI

Hoy llevo todo el día llorando a Freddy Mercury, que nos dejó tal día como hoy hace ya 20 años, entristecida por lo que considero una enorme perdida en el mundo de la música y en el mundo del arte en general pues, aunque es conocido principalmente por ser vocalista del mítico grupo Queen, era una persona de enorme creatividad y estoy convencida de que, si la enfermedad no se lo hubiera llevado, hoy día disfrutaríamos de mucho más que de sus fantásticos discos. Sin embargo, junto a la muerte de un artista celebramos el nacimiento de otro, alejados en el tiempo y en el estilo, aunque cercanos en el gusto por el espectáculo en el que se recreaban para dar vida a su arte.



El 24 de noviembre de 1864, nacía el famoso pintor Henri de Toulouse-Lautrec, pequeño de altura pero grande de personalidad. A pesar de ser un auténtico impresionista, no gustaba de representar paisajes, sino que prefirió recrear la vida nocturna del París del "Moulin Rouge", de prostitutas, cabareteras y sus promiscuos acompañantes, con un realismo que a veces rozaba la ordinariez y la mediocridad, pero que en la mayoría de los casos nos introducía en un mundo maravilloso de fiestas y jolgorios tras los cuales se escondía una cara más amarga que pocas veces nos mostraba.



Baile en el Moulin Rouge (1890)



Si hubieran coincidido en el tiempo no nos hubiera extrañado encontrarlos juntos en alguna de las muchas fiestas que Freddy organizaba, bebiendo absenta y bailando al son del can-can, disfrutando de la vida y del amor, con su cara y su cruz, que ambos conocieron muy bien.

INGENIERIA Y JUEGO: ALEXANDER CALDER

Como en otras ocasiones el socorrido Google nos anuncia, con un peculiar enmascaramiento de su nombre, un acontecimiento digno de recordar; hoy rememora el nacimiento de Alexander Calder (1898-1976), estadounidense de nacimiento y muerte, cuyo trabajo de ingeniero le llevó a encaminar su faceta artística al plano de la escultura, sorprendiendo y revolucionando "al mundillo" con una nueva concepción de este arte.
En efecto, hasta Calder a la escultura le pesaba su estatismo y robustez, contra lo que artistas de todos los tiempos han luchado intentando imprimir movimiento y volatilidad a lo esculpido: el paño mojado, la serpentinata, el escorzo...Técnicas éstas que han alumbrado unas esculturas "vivas", con mayor o menor fortuna, pero que nunca conquistaron el movimiento como lo hizo Calder con su arte cinético.

Estos móviles o "chupin", que han alegrado a más de un bebé en su cuna, están en la mente colectiva de todos, en muchos casos sin saber muy bien qué son y porqué existen... Como suele pasar con el arte contemporáneo, a muchos les parecerán un insulto a la inteligencia considerar como Arte piezas de este tipo, que han servido principalmente para entretener a infantes llorones pero, como en otras ocasiones, no me molesto en rebatir tal pensamiento, pues es un esfuerzo inútil intentar hablar a quien no quiere escuchar, y me voy a ir por las nubes... por las "Nubes de Calder"...

Las "Nubes de Calder" pueden ser contempladas en el Aula Magna de la Universidad Central de Venezuela, suspendidas en el techo y paredes del susodicho, de manera que parece que flotaran sobre las cabezas de los allí presentes; estas "nubes" de madera contrachapada, de diferentes formas, tamaños y colores, no se disponen de una forma arbitraria, ni siquiera estética, sino que corresponde a un meditado proyecto de estudio acústico del espacio llevado a cabo en colaboración con el arquitecto del edificio Carlos Raúl Villanueva. Se aúnan así en este conjunto unos extraordinarios conocimientos técnicos de arquitectura e ingenieria, con una sensibilidad que aporta una belleza visual inusual en este tipo de construcciones, por lo general de corte más formal, pulcro y sobrio, como mandan los cánones de solemnes universidades de todo el mundo.
Siendo indudable e indiscutible su acierto como ingeniero, cabe preguntarse por su implicación como escultor en esta obra... Yo he decidido refugiarme en lo que en psicología llaman el "efecto de mera exposición", por el que algo acaba por gustarnos cuando lo hemos mirado repetidas veces, y me imagino en ese escenario contemplando las enormes placas sobre mi cabeza,  que en directo deben imponer bastante más que en una foto... no estaría mal exponer mi trabajo de fín de carrera allí...

NACIMIENTO DE LA PERSEVERANCIA Y MUERTE DEL TEMPERAMENTO



Tal día como hoy, pero en 1874, nació en Kensington el hombre que realizó uno de los mayores descubrimientos arqueológicos de la historia de Egipto: Howard Carter ... Mientras hoy Google conmemora el nacimiento de un tal Roger Hargreaves, al que no quiero desmerecer ni mucho menos, otros recordamos a este perseverante egiptólogo que se desvivió por el sueño de ser el descubridor de la tumba de Tutankamón y que consiguió gracias a la financiación de Lord Carnarvon (porque recordemos que no sólo de sueños vive el hombre), tras años de excavaciones, disputas administrativas y desilusiones.

Por contra, otro 9 de mayo pero de 1903 murió otro hombre genial, en este caso más conocido por todos por sus pinturas vivaces, que son fiel reflejo de su carácter temperamental que le costó más de un disgusto, dicen que incluso una oreja. Me refiero a Paul Gauguin otro soñador como Carter, que buscó lo que para algunos resultaba una locura y una irresponsabilidad: vivir por y para la pintura; y del mismo modo que el egiptólogo, encontró alguien que creyó en él y que hizo posible que su trabajo llegara a nosotros: su hermano Theo.

Desde mi minúsculo rincón del ciberespacio les dedico a ambos estas líneas y con ellas un recuerdo, un agradecimiento y una enorme admiración por conseguir realizar su sueño y realizarse en él...

BREVE RECUERDO A PICASSO

Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz y Picasso, más conocido como Pablo Picasso, hace hoy 38 años que nos dejó, y nos dejó como no podía ser de otra forma, trabajando, incansable, insaciable, inagotable, ...

En cifras, están cuantificadas (aproximadamente) 13.500 pinturas, 100.000 grabados y obras gráficas, 34.000 ilustraciones para libros y 300 esculturas y cerámicas; todo ello durante sus 91 años de vida, 75 de ellos dedicados en cuerpo y alma al arte, de manera que nadie puede arrebatarle el título de artista más prolífico de todos los tiempos.

Se considera su primera obra "La primera comunión"(1896), en el que vemos los retratos de su padre, su madre y su hermana; obra academicista que realiza con 15 años y que fue exhibida en una exposición en Barcelona. A partir de aquí, la producción de Picasso pasa por un amplio espectro de tendencias, modas y estilos, que finalmente lo definirán en su multiplicidad: el período azul, el período rosa, cubismo, neoclasicismo, surrealismo, expresionismo...casi un siglo de discursos artísticos concentrados en un único genio.

Todos tenemos en mente las Señoritas de Avignon, el Guernica y sus arlequines, pero merece la pena ojear por el Google o la Wikipedia otras de su miles de obras. Yo os recomiendo sus retratos, de una enorme profundidad psicológica... aunque para gustos los colores, y en Picasso encontraréis una amplia gama.

PARA MUJERES, HOMBRES Y CABESTROS...



Acuarela de Marion Bolognesi



Hoy ya estoy hasta el moño y sólo quiero decir un par de cosas muy simples:

 

Me encanta ser mujer...le pese a quien le pese...y no nos merecemos un día, nos merecemos 365, porque son los días al año que sufrimos algún tipo de abuso, marginación o injusticia sexista, y mientras exista un solo hombre encima de la tierra que considere al sexo femenino inferior a él, seguirá existiendo el Dia Internacional de la Mujer...

 

Hombres: este día no lo inventamos nosotras, nosotras no queremos un día que nos recuerde que somos víctimas de desigualdades, por lo tanto, si no consideráis justo que haya un día de la mujer y no lo haya del hombre, empezad a tratarnos como iguales, en todos los sentidos y en todos los campos...

 

Felicidades a todas las mujeres y felicidades a todos los hombres que nos valoran como personas...

FELICIDADES IL MIO AMORE...

6 de Marzo de 1475...la Toscana...provincia de Arezzo...ciudad: Caprese...

Se oye el llanto del niño Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni...mucho nombre para un bebé, que jamás imaginó que su versión adulta llegaría a ser considerada, generación tras generación, en uno de los genios por excelencia de la Historia del Arte.



Autorretrato de Miguel Ángel en La Crucifixión de San Pedro (1545)



Poco se puede decir ya sobre su figura, como hombre y como artista, que abarcó todo lo que pudo, y lo que no pudo fue porque no lo dejaron y porque la vida para un genio siempre es demasiado corta...él que lo sabía sentenció en cierta ocasión: "no hay daño tan grande como el del tiempo perdido"...No  perderé el tiempo pues en lamentar tu ausencia querido Miguel Angel, pero invertiré todo el tiempo que haga falta en admirar tus obras...y eso jamás podrá ser tiempo perdido...

56 AÑOS SIN FRIDA

"Creían que yo era surrealista, pero no lo era. Nunca pinté mis sueños. Pinté mi propia realidad"

La columna rota (1944)

Sólo tuve que echar un leve vistazo a algunas de sus obras para saber que eso no iba a ser bastante, que el espíritu de Frida, atormentado pero luchador, me había atrapado en su inconformismo y me hacía volver, una y otra vez, a escudriñar sus pinturas como si de jeroglíficos se tratasen, a pesar de que el mensaje sonaba alto y claro en mi interior.

Todos los defectos y cualidades, los deseos y temores, "el tormento y el éxtasis", que esta mexicana experimentó durante su vida, son fácilmente reconocibles a través de una figuración clara, incluso inocente, unos colores vivos e intensos, y una simbología universal. Frida gusta o no gusta, atrae o repele, no existe el término medio en ella, ni tampoco ella lo quería pues vivía siempre en los extremos, siempre intensamente, como intensamente sobrevive después de que, hace ya 56 años, dejara escrito en su diario: "...espero alegre la salida y espero no volver jamás...".