SENSACIONES XXIV

     Hace un par de años no me podía imaginar que sería capaz de hacer algo como ésto... de hecho, yo tenía en mente aprender a usar los pìnceles porque me parecía que esa era la única manera "verdadera" de pintar.

     Cuando empecé el primer día me pusieron a dibujar con un lápiz, directamente del natural, una taza y una tetera que me parecieron demasiada poca cosa, no por lo fácil (ni mucho menos) sino porque yo quería algo de "más nivel", y desde luego no queria dibujar, quería poder pintar un óleo así sin más... pero, como soy una persona razonable, me dejé aconsejar por la profesora... y empecé a dibujar...primero con grafito, luego con carboncillo, con sanguina y con pastel...dejé de interesarme por el óleo...me cautivó lo que se podía hacer con un simple lápiz y me cautivó especialmente las posibilidades que ofrecía el pastel. Y así llevo dos años y me sigo sorprendiendo a veces de lo que soy capaz de hacer; soy consciente de lo mucho que me queda por aprender y no solo no me cuesta admitirlo, sino que me motiva mucho más, y aunque a veces soy muy crítica conmigo misma también me doy palmaditas en la espalda cuando hago algo que me gusta, que me gusta a mí, porque realmente lo hago por y para mí, y me gusta compartirlo principalmente para demostrar que SI QUIERES, PUEDES... todo es ponerse...

UNOS CUANTOS PIQUETITOS: BREVE ANALISIS

     Junto a la necesidad de expresión de su mundo interior, también existe una Frida comprometida con el mundo que la rodea. Estamos acostumbrados a ver cómo la artista plasmaba en sus dibujos y lienzos sus angustias personales, su malograda salud, su soledad, su tristeza; pero tras esas obras se esconden preocupaciones mucho más universales que abarcan desde la política (defendiendo el comunismo frente al imperialismo estadounidense) hasta el feminismo (no como ideología, sino como divulgadora de temas de mujeres y para mujeres).

      El artista como ser político, debía estar siempre alerta ante los sucesos que lo rodeaban y responder con su trabajo, es decir, implicarse de la mejor forma que sabía con una realidad siempre plagada de hechos denunciables, ya fuera algo que afectara a un país entero o algo más particular que afectara a una única persona, a la mujer en este caso; se puede decir que Frida es una de las primeras artistas del siglo XX en plasmar el drama de la violencia de género, término éste muy actual, pero que esconde una realidad de siglos de existencia. “Unos cuantos piquetitos” (1935), se basa en una notica que Frida leyó en un periódico local: una mujer había sido asesinada por celos y en su defensa el hombre declaró “sólo fueron unos cuantos piquetitos”. El impacto por la crueldad implícita en estas palabras hizo que, una vez más, la ira fuera vehículo para su pintura. La sangre es la auténtica protagonista del cuadro, que incluso invade el marco, lo que cuantitativamente se opone a la leyenda escrita encima de la escena. Pero si brutal y atroz parece esta imagen, mucho más inhumano y sádico es el dibujo preparatorio, donde se representa al hijo de la mujer, que fue testigo del asesinato; podemos suponer que su decisión de eliminarlo de la obra definitiva responde al hecho de que ya había sido un suceso lo suficientemente espantoso como para añadir más morbo y se limitó a hacer hincapié en la crueldad de las palabras del hombre.

SENSACIONES XXIII

Los años actúan como un tamiz por donde van pasando todas tus vivencias, y te vas quedando con lo mejor de lo mejor: te das cuenta de lo que quieres a tu familia, de su importancia, de que te sobraban "amigos", de que es preferible malgastar tu tiempo mirando al techo que invirtiéndolo en personas insustanciales, de lo rápido que pasa el tiempo y por eso hay que aprovecharlo, de que nada es tan importante, ni tan crucial, ni tan tan... , que todo hay que relativizarlo, que no se pueden dejar muchas cosas para mañana porque es ahora cuando seguro puedes hacerlas, que no se puede huir de los problemas porque ellos siempre terminarán alcanzándote, que hay que sentir para saber y saber lo que se siente, que hay que demostrar el amor y el cariño, porque las personas somos ciegas ante eso, que no se puede esperar nada de nadie porque seguro te sorprenderán, tanto para bien como para mal, que si quieres hacer algo, hazlo ya, y si quieres llamar a alguien, llama ya, que las oportunidades se pueden presentar pero también hay que buscarlas, que tenían razón mis padres y todo esto ya lo sabían ellos...

Mira qué bonita era (1895), Julio Romero de Torres

¿Qué tendrá la muerte que siempre nos hace pensar?

PARA EDU

La noche pasada no descansé bien, me sentía molesta, notaba algo raro, algo que hacía removerme en la cama con inquietud... Por la mañana me lo dijeron y supe que habías sido tu. Aún tenía esperanzas, ayer lo comentaba con nuestra Mari, pero tampoco me extrañó. ¿Me mentiste? pero no estoy enfadada... te agradezco tu fortaleza con los que estábamos lejos.

Lo último que te dije es que ibamos a ir a verte... y te veremos, estoy segura... tú crees en esas cosas lo mismo que yo... mientras, diviértete por ahí y ve buscándome como tú sabes un alojamiento de esos buenos y bonitos, pero esta vez que no sean baratos, que ahí no tienes que regatear ni sacarles un juego de maletas...

Desde mi tristeza, me siento feliz de que hayas estado en mi vida; te conocí en la época más bonita de mi vida y te reencontré para compartir uno de los mejores días de vida... con eso me quedo... y con tu sonrisa.

DESCONTEXTUALIZACION DE LAS MENINAS

Este escrito pretende ser una reflexión sobre una pequeña parte del trabajo del Equipo Crónica, no desde el punto de vista estético, ni siquiera desde el punto de vista formal, sino más bien una reflexión sobre el metarrelato que se esconde tras esa aparente ingenuidad y esa apropiación de imágenes que son características del Pop, aunque sin perder de vista la peculiaridad de ser un Pop genuinamente español. O dicho de otra manera, vamos a intentar ¨leer entre líneas” el trabajo de Manolo Valdés y Rafael Solbes, teniendo en cuenta su alto contenido crítico y el empleo intencionado de imágenes fácilmente reconocibles por el espectador.

A pesar de que Jean Clair acota la “responsabilidad del artista” al período de las vanguardias, la tardanza de éstas en llegar a España hace que se pueda extender sus planteamientos al trabajo del Equipo Crónica, como manifestación tardía del Pop, con particularidades propias de la España franquista en el que se desarrolla. Para Clair, el realismo nace como reacción a la vanguardia, y en el caso que nos ocupa más concretamente como reacción al informalismo que, aunque no exento de cierto contenido crítico, se presentaba totalmente críptico para la gran masa. La intención de hacer llegar al pueblo su mensaje, hizo que Equipo Crónica (cuyo germen estuvo en Estampa Popular) usara imágenes de gran calado en la conciencia colectiva española formando series temáticas que profundizaban en un tema. ¿Y qué hay más español que Velázquez? Como dijo el historiador, crítico y director del Museo de Arte Reina Sofía, Tomas Llorens: “Es innegable que Velázquez representaba una especie de españolidad esencial –que evidentemente formaba parte de la ideología del franquismo- (…), se trataba, de algún modo, de arrancar del contexto de la ideología franquista ese mito de Velázquez”. Y efectivamente nuestro Equipo Crónica lo arrancó de cuajo mediante la reproducción de algunas de sus obras más importantes, de entre las que vamos a entresacar a las Meninas por ser, quizás, la más emblemática de todas.

 Del mismo modo que Andy Warhol repetía incansable un motivo iconográfico, la reproducción a lo largo de décadas del motivo de las Meninas ha hecho que el ojo del espectador se acostumbre a verlas y haya perdido su fuerza primigenia, tanto desde el punto de vista iconográfico como semántico. Podríamos decir que el paso del tiempo ha hecho con las Meninas lo mismo que Warhol con sus Marilyns: ha perdido el “concepto de su autenticidad” y le falta “el aquí y ahora de la obra de arte, su existencia irrepetible”, usando palabras de Benjamin. Pero eso es precisamente lo que pretendían Solbes y Valdés, descontextualizarlas, arrancarlas de su aquí (una sala del Alcázar) y ahora (el siglo XVII), para traerlas a un nuevo aquí y ahora adquiriendo con ello una nueva significación. Las Meninas son ofrecidas a un nuevo espectador, previamente pasadas por el filtro de una estética Pop que el Equipo Crónica usaba con cierta ironía y humor, con objeto de hacer llegar sus obras a un público amplio, de manera que “confiere actualidad a lo reproducido al permitirle salir, desde su situación respectiva, al encuentro de cada destinatario”.

Es curioso pensar que cuando Walter Benjamin escribió La obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica, todavía no existía el Pop, de hecho su ensayo versa principalmente sobre el cine y la fotografía, aunque en sus primeras líneas habla sobre la litografía (que está en la base del Pop más popular), con la que “la técnica de la reproducción alcanza un grado fundamentalmente nuevo”. ¿Qué hubiera opinado Benjamin sobre esa peculiar forma de reproductibilidad que fue el Pop Art? En primer lugar, para el crítico toda obra de arte es susceptible de ser reproducida y al serlo se emancipa automáticamente, constituyendo un ente en sí mismo. Al ver “La salita” de Valdés y Solbes, no podría negar la ausencia de ese “aura” propia de las Meninas de Velázquez, descrita por Benjamin como “manifestación irrepetible de una lejanía”, con lo que la obra cobra plena autonomía y al mismo tiempo desmitifica uno de los emblemas usados por el franquismo.

"La salita" (1970)

La infanta y su séquito han sido trasladados de escenario: el ambiente palaciego ha sido sustituido por otro doméstico de estética setentera e intencionadamente Kitsch, degradando en cierta manera el estatus de los personajes, que han pasado de estar rodeados de obras de arte a estarlo ahora de otros objetos más cotidianos y ordinarios, incluso aparecen una pelota y un flotador. Significativo es el hecho también de que Velázquez no se representa pintando: ha desaparecido el enorme lienzo de la obra primigenia y ha sido sustituida por una planta decorativa, de manera que ya no se está haciendo referencia a un espacio de creación. Por otro lado, Solbes y Valdés se autorretratan en el lugar de Dª Marcela de Ulloa y D. Diego Ruíz de Azcona (responsables en gran medida de la educación de la infanta) y parecen mimetizarse con el mismísimo Velázquez, a través de su indumentaria y en el hecho de llevar unos cuadernos o libros en sus manos. La aparente ingenuidad en la representación, con esos colores vivos y alegres y esas tintas planas características de la estética Pop, estaba orientada a atraer la atención del pueblo español, y como dice Benjamin: “La orientación de la realidad a las masas y de éstas a la realidad es un proceso de alcance ilimitado tanto para el pensamiento como para la contemplación”. De esto debía ser consciente la censura franquista y, sin embargo, el Equipo Crónica trabajó sin problemas ocultando en sus obras toda una crítica al ambiente político y social del momento. O quizás, esa aparente ingenuidad disfrazada de Velázquez, sirviera para pasar inadvertida por la censura pues, de nuevo en palabras de Benjamin, “de lo convencional se disfruta sin criticarlo y se critica con aversión lo verdaderamente nuevo”.

Entonces cabe preguntarse, ¿qué mensaje quieren transmitirnos Solbes y Valdés a través de La salita? La salita bien podría representar el escenario social y político de la España de los 60: la clase dominante ya no está interesada en la cultura y se entretiene con banalidades inútiles, mientras que la intelectualidad y la cultura se mantiene en un segundo plano, simbolizada en las figuras de los artistas; el escenario que fue de creación artística en el siglo XVII se ha convertido ahora en un escenario de encuentro, de charla, de juegos, donde el afamado pintor ya no pinta, sólo posa, y se ha suprimido incluso la presencia de los reyes, banalizando aún más la escena. En esta ausencia también puede haber un mensaje; recordemos que estamos en el contexto de la dictadura franquista, por lo que la figura monárquica está relegada a un segundo plano en el ambiente político, aunque aquí ni siquiera se representa en un segundo plano como en Las Meninas velazqueñas, simplemente no está. ¿Es una llamada de atención a esa ausencia o una crítica a la misma?

Fotografía de Paco Alberola sobre 

la que basaron la obra

"El sublime acto de la creación"

En cualquier caso, el compromiso de los artistas con su realidad queda claramente ejemplificada con este breve análisis y nos demuestra que a Equipo Crónica no le interesaba el arte por el arte kantiano, que además implica una individualidad que rechazaban en el mismo hecho de trabajar y rubricar sus creaciones como un equipo. Parecen querernos decir que el papel del artista ha cambiado desde Velázquez: ya no pintan para reyes, sino para la sociedad. En un cuadro de la misma serie que “La salita” (Autopsia de un oficio) titulado “El sublime acto de la creación”, se representan a ellos mismos en el acto de crear, uno mezclando colores, el otro retocando “La salita”, pero de una manera radicalmente diferente a cómo se retrató Velázquez; aquí son meros trabajadores en pantalón corto y sin camiseta, sin temor a mancharse de pintura, lejos de la indumentaria de caballero que luce orgulloso su emblema. Ha desaparecido el glamour del artista de cámara pero se ha sustituido por la magia de crear lo que el artista quiere, no lo que el rey (el poder) le imponga; esa magia está representada por esos personajes Disney que dan color a la escena y revolotean en el taller, y esa estela de colores que rodea a Solbes y Valdés como si ese “sublime acto” pudiera materializarse en forma de estrellitas…

            Equipo Crónica merece un estudio más pormenorizado, pero valga este ejercicio para evidenciar que, detrás de sus obras, existe todo un discurso esperando ser descubierto una vez traspasado el umbral de la estética.

LOS CONTEXTOS

Piet Mondrian
Broadway Boggie Woggie(1942)

Es fácil caer en la tentación de juzgar a las personas sin conocerlas, sólo viendo su aspecto exterior, tan fácil que lo aprendemos casi sin querer desde pequeñitos y cuando llegamos a cierta edad nos creemos una mezcla entre psicólogos y estilistas, poniendo etiquetas a todo el mundo sin tener realmente ni idea de los porqués de esa persona. Los porqués son fundamentales, son la base de todo conocimiento, y sin embargo poca gente se preocupa por ellos, por qué? porque es más fácil emitir un juicio de valor basado en lo que el ojo inmediato ve, que posponerlo hasta reunir pruebas empíricas para demostrarlo; lo primero es una simple creencia, lo segundo puede llegar a ser una certeza. Y así transcurre nuestra vida, entre creencias.
De esas creencias ha habido muchos que se han aprovechado de una manera u otra, pero también esas creencias han perjudicado, quizás con más frecuencia, a individuos y a colectivos enteros; por supuesto, está hablando mi faceta de historiadora (término que por cierto se me queda muy grande) que se siente frustada ante los prejuicios que genera el Arte Moderno, pero Moderno de actual, del siglo XX, porque para los libros el arte moderno es el renacentista y barroco, aunque ya dejara de ser moderno hace tiempo...pero eso es otro tema...
El arte no figurativo tan típico del reciente siglo XX, abstracto si preferís generalizar, ha sido siempre víctima de ese pre-juzgar sin conocer, de ese tan típico "eso es arte?" y del mundialmente conocido "eso también lo se hacer yo", como si las vanguardias artísticas se hubieran formado de un día para otro, así como así, sin motivo, porque sí, como el que hace un garabato en un papel mientras habla por teléfono...

George Grosz
Autómatas Republicanos (1920)

Hay que trasladarse al momento histórico en el que empieza a gestarse, al contexto que influyó sobre el ambiente político, social, económico y, por supuesto, artístico, porque el Arte, no lo olvidemos, forma parte de la vida desde que el hombre es hombre y como tal se va transformando al mismo tiempo que él. Pues bien, aunque no hayamos pasado por ello es fácil imaginar los horrores que supone una guerra, pero no una guerra cualquiera, la Gran Guerra, la I Guerra Mundial, un sin-sentido político que aprovechó los nuevos avances tecnológicos para matar, o dicho de otra manera, la industria que en un principio estaba pensada para mejorar la vida del hombre, una industria imaginada, pensada y llevada a cabo por el raciocinio del hombre, se convirtió en su peor enemigo.
El desencanto generalizado ante estos dos elementos, el progreso y la razón, inundó el espíritu de toda la sociedad europea y, ante tal frustación, los dadaistas plasmaron como nadie ese pesimismo declarándose en contra de todo, principalmente de esa razón que les había llevado a la guerra, con una actitud provocadora. Dadá no significa nada, como dijo el propio Tristan Tzara, uno de los padres del movimiento, aunque en Alemania tomó tintes políticos manifestándose claramente comunista. De una tendencia más positiva surgió el Surrealismo, del que todos conocemos a Dalí, y que siguiendo esa misma base de irracionalidad se sumergió en el mayor estado de inconsciencia, los sueños, regalándonos unas composiciones fantásticas y evocadoras que provienen de lo más profundo del artista.

Tatlin
Monumento a la III Internacional (1919)

Al mismo tiempo en Rusia, el Arte seguía sus propios derroteros; después de derrocar al régimen zarista, Lenin abogaba por una libertad que también fue extensiva al Arte, desarrollándose manifestaciones de diversa índole, tanto realistas como abstraccionistas, aunque lo que caracterizó al arte ruso, durante las primeras décadas de siglo y hasta la llegada de Stalin al poder en 1924 fue el movimiento Constructivista, también basado en una industria en auge y en una supuesta utilidad que, sin embargo, no era tal, como demuestra el Monumento a la Tercera Internacional de Tatlin, que sólo se quedó en proyecto aunque es todo un símbolo del Productivismo ruso.
Las guerras provocaron la emigración a Estados Unidos, neutral en un primer momento, y allí se afincaron muchos artistas europeos que fueron fundamentales en el desarrollo del arte americano, por eso el calificativo de "americano" es muy discutible...
Podríamos estar hablando horas: Realismo socialista, Nueva objetividad, Realismo americano, Abstracción geométrica, Abstracción fría, Op Art, Pop Art....son tantas las corrientes, movimientos, manifiestos e intencionalidades que se suceden durante el siglo XX, con sus porqués incluidos, que se considera el período más fructifero de toda la Historia del Arte. Merece la pena investigarlo un poco antes de juzgarlo, porque en definitiva forman parte de nuestra Historia. son al mismo tiempo consecuencia y explicación de los contextos...
Me viene como anillo al dedo algo que dijo el gran Picasso: "Yo no leo inglés, un libro de inglés es para mí un libro en blanco. Esto no quiere decir que no exista la lengua inglesa, y ¿por qué habría de culpar a nadie sino a mí mismo de no comprender aquello de lo que no se nada?

MOUVNT: ARTE INFORMATIZADO

He empezado el año de forma bastante inusual en muchos aspectos, por eso he decidido que la primera entrada de este 2014 no puede ser menos, y aunque no pueda prescindir de la temática artística, voy a recurrir al arte contemporáneo que normalmente intento evitar, pues ya he confesado en varias ocasiones mi estupefacción  y sobre todo mi sentimiento de estupidez total ante alguna de estas manifestaciones que llaman artísticas. Intentando comprender el Arte del siglo XX me he encontrado con ésto, escultura MOUVNT la llama su autor, y aunque a primera vista os pueda parecer un montón de blandiblú descolorido, esconde detrás todo un complejo proceso...informático nada menos.

Escultura MOUVNT (1972) 

Jose Luis Alexanco ejemplifica perfectamente el empeño, de gran parte del arte de vanguardia de la segunda mitad del siglo XX, de investigar nuevos materiales y métodos de trabajo que dejaran atrás lo convencional y tradicional, para desarrollar un arte y una forma de expresión artística novedosa. Este artista madrileño, fiel a la abstracción y preocupado por la figura humana, pasó durante el período comprendido entre 1968 y 1973 por el Centro de Cálculo de la Universidad de Madrid, donde aprendió lenguaje de programación, en concreto Fortran IV y, posteriormente, a manejar el programa MOUVNT con el que se convirtió en el pionero español en el tratamiento automático de las imágenes.

En una etapa inmediatamente precedente, se había centrado en el problema del movimiento y la transformación, así como en el intento por neutralizar el aspecto psicológico del acto creador, por lo que la experimentación con la “máquina” será el culmen de su producción escultórica. El resultado de esta interacción hombre-máquina, es la materialización de la idea en láminas superpuestas de resina que configuran diferentes formas, como podemos ver en la imagen que se adjunta, una de las trescientas esculturas diferentes basadas en dicho método. Sus esculturas MOUVNT muestran su preocupación por la búsqueda del movimiento, la continuidad y el dinamismo, así como por la posibilidad de transformar cualquier forma no geométrica en tridimensional. Del mismo modo, para Alexanco son fundamentales las etapas del proceso y los diversos problemas técnicos que se van presentando, llegando a lo que Serraller ha señalado como “la desmaterialización de la obra resultante”, en la que la despreocupación por el aspecto estético es directamente proporcional al interés por el aspecto procesual.

No voy a entrar en si me gusta o no me gusta, en si es bonito o feo, o en si el amarillo es un color gafe o no... sólo os voy a decir que tengáis en cuenta que este artista trabajó en la prehistoria de la informática y consiguió llevar a cabo muchas de las ideas que rondaban por las cabezas de artistas tan dispares como Picasso, Boccioni, Bretón, Malevich o Richard Serra.

PROPOSITOS´14

Deseando que termine el 2013, catastrófico en muchos sentidos, estoy pensando que nunca he hecho una lista de propósitos como mucha gente suele hacer; eso de "voy a ir al gym", "voy a dejar de fumar", "voy a aprender inglés", etc, me parece que es un autoengaño muy burdo para mí, que me considero una persona bastante coherente con mis actos. Partiendo de la base de que no fumo, tengo claro que no voy a ir al gym, y lo del inglés lo he dejado para el 2015 por falta de tiempo, creo que mis propósitos deben ser de cambios más profundos, de esos que contribuyen al bienestar emocional y al estado de ánimo, tan malogrado por este diabólico 2013. Entre llamadas de teléfono, impuestos, jefes incompetentes, y demás elementos de mi entorno laboral, he elaborado el siguiente listado... tengo todo un año para cumplirlo...

1. No tomarme las cosas a la tremenda: gasto demasiada energía en dramatizar para que me hagan algo de caso.
2. Alejarme de las personas que me dan mal rollo: fuera negatividad!
3. Tomarme aunque sea 5 minutos de relax entre el trabajo y el estudio: no es sana esta vida que llevo.
3. No olvidar el pasado, pero no dejar que me afecte: algunos dirán que soy rencorosa, pero son los mismos que dicen muchas más cosas de mí.
4. Preocuparme más por la salud, la mía y la de mis seres queridos: la gran lección de este año ha sido que la salud es lo más importante (todo el mundo dice saberlo, pero hasta que falla no se sabe lo que es).
5. Hacer más senderismo: relacionado con la salud pero además es algo que me sienta muy bien anímicamente.
6. Sonreir más: no cuesta tanto como parece.
7. No esperar nada de nadie...nunca.
8. Disfrutar más de mis padres: nunca se sabe cuándo va a ser el último día que los vea.
9. No dejar que nada ni nadie cambie mi forma de ser: yo soy yo y mi circunstancia, y a quien no le guste...(los que me conocéis sabréis completar la frase).
10. Cumplir todo estos propósitos y así no tener que hacer más listas.

Bennu, símbolo de la renovación.

ALTERNATIVA AL OLVIDO Y AL LADRILLO

Estamos demasiado acostumbrados a las piedras en nuestra Córdoba querida, a "piedras históricas" me refiero, aunque para la mayoría el adjetivo le sobra... Somos testigos cada año de cómo el poderoso dinero elimina a golpe de talonario vestigios de otro tiempo, sin ser conscientes de que jamás se podrán recuperar si no es en nuestra imaginación, leyendo los trabajos de investigación que suelen publicarse en revistas y publicaciones relacionadas con la arqueología y la historia, por lo que los cordobeses no tenemos realmente ni idea de lo que ha habido y hay bajo nuestros pies. De vez en cuando se hace algún hallazgo significativo que aparece en los medios de comunicación (locales por supuesto), rellenando alguna esquina del periódico, pero normalmente la ciudadanía se entera de que han aparecido más "piedras" cuando pasan por alguna obra, y al doblar la esquina se olvidan de que lo han visto... normal... no saben qué era eso, sólo que eran más "piedras"...

 

"Gracias" a la crisis hay solares en nuestra ciudad que actualmente muestran, como si de su esqueleto se tratara, una serie de estructuras incoherentes a nuestros ojos y que están totalmente abandonadas a expensas de la vegetación, alimañas, contaminación y fenómenos atmosféricos varios, que agravan el estado de esas piedras a cada segundo. ¿A quién le importa?. Efectivamente, a las constructoras que no tienen un euro para sobornar al concejal de turno y levantar otro despampanante edificio... ¿qué os creíais?¿que era por las piedras?...

 

Yo llevo 5 años pasando por una zona que tiene toda la pinta de convertirse en pocos años en un nuevo barrio, bloques de pisos modernos, jardines y zonas de juego para los niños, amplias avenidas y calles, un lugar perfecto para una zona residencial sino fuera por... Una buena parte de los terrenos de esta ampliación de la ciudad, corresponden a lo que en el siglo X era el arrabal "Al-Garbiyya", en el sector occidental, muy poco conocido y estudiado y aún así pasto de las máquinas de demolición. La viviendas de estos arrabales son muy modestas, por lo que no se han encontrado elementos decorativos perdurables, ni objetos ni apenas decoración mural. Sin embargo creo que, en este caso, su estado de conservación, y sobre todo el sitio, podría permitir la recreación de estos espacios y reconstruir lo que sería parte de un barrio islámico, y de esta forma hacer una idea al visitante de ese pretendido "museo al aire libre"(se me viene a la memoria la Casa de Mitreo de Mérida, salvando las distancias por supuesto), claro está, previa limpieza de la zona, porque da asquito cómo la tienen... como siempre, olvidada de todos... Para muestra unos cuantos botones...

Vista del cartel de la empresa constructora

A la derecha se aprecia la puerta de entrada

Patio donde puede verse también el pozo

Vista de la distribución de los muros

 

Detalle de muro y pavimentación interior

Detalle. No estoy segura si es pavimentación o restos de una escalera, lo que sería una novedad.

Detalle. Aunque no es frecuente, esto me parece una lastra de pizarra o quizá mármol

SENSACIONES XXII

Nuda Veritas
Gustav Klimt

Me gustaría saber mucho más de lo que se,
haber sufrido menos de lo que he sufrido,
haber amado más, porque nunca está de más amar más,
haber hablado cuando decidí callar
y haber callado lo inapropiado.

Me gustaría haber ido a ese sitio que no fui,
haberme quedado en casa en lugar de ir,
haber estudiado más, porque nunca está de más estudiar más,
haber cantado a voces cuando estuve alegre
y haber llorado sin vergüenza delante suyo.

Me gustaría haber borrado ese mensaje,
haber llamado en lugar de haber esperado junto al teléfono,
haber reído más, porque nunca está de más reir más,
haberme asegurado en lugar de haberlo creído
y haber probado a pesar del miedo.

Saber, sufrir, amar, hablar, callar, ir, estudiar, cantar, llorar, borrar, llamar, reir, creer, probar...
En definitiva, vivir.