LO QUE LA MUERTE DE MARAT ESCONDE

Voy a coger el toro por los cuernos y a combatir mi estado de desidia con lo que siempre he tenido rondándome la cabeza: el Arte. Me resisto a desintoxicarme de esta droga que durante años ha sido un placer administrarme y con la que me identifico y me identifican, como si de una huella dactilar se tratara.

No hace mucho estuve leyendo sobre el pintor francés Jacques Louis David, una interpretación sociológica e historiográfica de su obra y su participación ideológica en los acontecimientos políticos que se sucedían a su alrededor; pues bien, independientemente de la aportación estilística y lo que significó este artista para la Historia del Arte, sus obras contienen una importancia, desde el punto de vista interpretativo, que va mucho más allá de su maestría con el dibujo y la representación de la realidad, aunque como veremos no era tan fiel a la realidad como pueda parecer en un principio...

Para no enrollarme demasiado, os diré que Marat fue un diputado jacobino, defensor del pueblo francés y del republicanismo, hasta el punto que era partidario de guillotinar al mismísimo Luis XIV, como así sucedió en enero de 1793. En julio de ese mismo año Marat fue asesinado por Charlotte Corday, del bando de los girondinos, con un cuchillo de cocina con el mango negro de madera de ébano, que le atravesó el costado derecho, mientras que disfrutaba de un baño que aliviaba sus problemas de piel en un cuarto de baño pequeño, con un mapa de Francia en la pared y una sola ventana, en una bañera redonda, vestido con una bata y un turbante blanco, mientras escribía apoyado sobre una plancha. Todos estos datos están detalladamente documentados y por ello sabemos también que la asesina escribió una carta que se encontró tras su arresto, muy pocos días después.


J.L.David
La muerte de Marat (1793)

Ahora, analizando el cuadro de Louis David nos damos cuenta que: el mango del arma del crimen es blanco, en lugar de negro; el Marat representado es joven, y sin atisbos de problemas dermatológicos; la estancia donde se encuentra es neutra, sin ventana ni mapa que interrumpa la visión; Marat está desnudo, no tiene puesta ninguna bata; la bañera redonda, aquí se representa rectangular; la tabla sobre la que se apoyaba para escribir está totalmente tapada con un paño verde, y se coloca una caja con un tintero, dinero y una carta; Marat tiene en su mano la carta de Charlotte, la que apareció en poder de la susodicha al ser arrestada; a pesar de la violenta muerte del protagonista, yace plácidamente, incluso se asoma una sonrisa en su boca. Son detalles que quizás el espectador de hoy no perciba, principalmente por el desconocimiento de los hechos acontecidos, sin embargo el espectador de aquel momento conocía al dedillo todos los detalles y por lo tanto a este cuadro le correspondía una interpretación totalmente "interesada" e intencionada, que respondía a intereses constitucionales y rousseaunianos, con la pretensión de crear un mito entre el pueblo francés en la figura de Marat, que encarnaría la virtud, austeridad y grandeza, frente a la indignidad de su asesina.

Paul Baudry
Charlotte Corday (1860)

No deja de ser llamativo que esta construcción de un nuevo héroe o incluso mártir de la Revolución, disfrace, o mejor dicho omita, el hecho de que Marat fue un personaje crucial en el empleo de la guillotina, pues ese aspecto no podía manchar la imagen que de él se quería construir. O lo que es lo mismo: m a n i p u l a c i ó n. Y se hace más evidente si la comparamos con otras obras del mismo tema pero realizadas por artistas de diferente ideología, como es el caso de Paul Baudry, cuya visión de los personajes que intervinieron en la historia es claramente diferente.

El Arte no es sólo cuestión de estética; el Arte ha sido, es y será un instrumento usado por el poder para transmitir mensajes, incluso manipulando subliminalmente al espectador relajado. Este es sólo un pequeño ejemplo de lo que el Arte esconde y hoy día se ha extendido a otro tipo de manifestaciones artísticas difundidas por los mass media, como puede ser el cine o la publicidad. Os aconsejo que a partir de ahora miréis de forma más crítica las imágenes que nos rodean, porque detrás de ellas no dudéis que encontraréis intereses políticos y económicos... pero que eso no os prive de seguir disfrutando del Arte.

SENSACIONES XXI (EMPEZANDO A MORIR)

La gente que me rodea sabe lo desinquieta que soy, que siempre estoy liada haciendo cosas o pensando en lo que voy a hacer próximamente, a veces incluso me aturullo con todo lo que me gustaría hacer, y siempre he pensado que el día que se me acaben las ganas de "jaleo" será el día que empiece a morir... Suena extremadamente exagerado pero yo soy así, de extremos, no me gustan las medias tintas, si estoy feliz estoy eufórica, si estoy triste estoy por los suelos, si algo me gusta, no me gusta...me apasiona...y si algo no me apasiona me cuesta mucho seguir con ello...Pues creo estar llegando a ese punto, ese al que jamás pensé que llegaría o que creía muy muy lejos, ese punto en el que todos los días son iguales y no espero ansiosa que llegue una hora determinada, ese en el que estoy empezando a morir...

John Everett Millais
Ofelia (1852)

Estudiar, escribir, pintar, son cosas que me han apasionado durante años pero han ido perdiendo fuelle en los últimos meses, al compás de una especie de relajación en mi carácter que, sinceramente, no me gusta, porque si de algo he estado siempre orgullosa es de tener un carácter que me hace fuerte e impenetrable para los que no quieren ver más allá (y por tanto no me interesan) y al mismo tiempo frágil y accesible para el que se molesta en conocerme, y eso de sentirme en algunos aspectos "neutra", por no decir "pasota", es algo que no suele ir conmigo. En fín, no me quiero enrrollar, aunque esto me sirve un poco de terapia al ver en palabras lo que me ronda por la cabeza en forma de sensaciones.

Tengo cosas por terminar y otras que requieren una atención constante, cosas que empecé con mucha ilusión y que ahora a menudo me hacen sentir atada a ellas, lo que le restan encanto y suman angustia a mi vida, resultando una ecuación difícil de resolver en este estado de hastío... Lo único que necesito es encontrar algo que vuelva a moverme, que me apasione, que revierta ese sentimiento que tengo de estar muriendo porque todavía creo que hay esperanza para mí. Estoy abierta a ideas y sugerencias...


SENSACIONES XX

Hay épocas que mi mente está ligeramente más tranquila de lo habitual y me deja descansar por las noches en las pocas horas de sueño que tengo, y sin embargo hay temporadas que no se si es más real lo que hago por el día o lo que mi subconsciente refleja en mis sueños. Aunque en sentido metafórico, no tengo duda que mis sueños me muestran cosas de mí que ni yo misma veo (a veces porque no quiero verlas) , por supuesto mis miedos, pero también deseos, ilusiones, incluso recuerdos...

Siempre me ha dado por pensar que los sueños están envueltos con una especie de sfumato leonardesco, aunque la mayoría de las veces parece más una película de los hermanos Lumiére, con fundido a negro incluido, cuando las imágenes se tornan confusas, y a veces incluso parezco la Jane de "El Gabinete del doctor Caligari" inmersa en escenarios expresionistas, puntiagudos y peligrosos... aunque no hay duda que no hay peor pesadilla que soñar con algo que deseas intensamente, ya sea dormido o despierto...

Con los ojos entornados acechaba al horizonte,
con ansia de abrirlos de par en par,
pero el miedo paralizaba mis párpados
y no dejaba de mirar y mirar y mirar...

Caspar David Friedrich
Monje a la orilla del mar (1809)

Entreveía el deseo,
se insinuaba el anhelo,
deseaba alcanzarlo,
anhelaba tenerlo...

THE MOST WANTED

Normalmente pongo en cuarentena todas las manifestaciones artísticas contemporáneas, primero porque me confieso totalmente ignorante y, porque no decirlo, totalmente tonta ante algunas cosas que debería comprender por mi dedicación al estudio del Arte, pero me niego a ser una hipócrita y pasar por el aro de unas supuestas "nuevas tendencias" que nos las presentan como Arte y son auténticas tomaduras de pelo.

Pero si algo he aprendido de todos los años que llevo estudiando Historia del Arte es que no se puede juzgar a la ligera y sobre todo que la perspectiva que nos da el tiempo es fundamental para la comprensión de la obra de arte. Esto, que a priori parece tan evidente, en algunos círculos "artísticos" se ignora conscientemente apoyándose en una ya anticuada base teórica de "el arte por el arte", que pudo ser válida durante los primeros años del siglos XX pero que ya debería dejarse entre las páginas de los libros y avanzar en otras consideraciones teóricas más apropiadas a los nuevos tiempos...

Estoy de acuerdo con los discursos teóricos que abogan por la participación del espectador en la obra de arte, de manera que sólo cuando ha sido percibida por él es cuando podemos asegurar que se ha completado el hecho artístico. Duchamp ya comenzó a trabajar sobre esta idea con su "Fuente" (1917), Warhol la defendió como nadie con sus "Brillo Box" (década de 1960) y en puertas del siglo XXI, entre 1994 y 1997, Komar y Melamid desarrollaron un proyecto interesantísimo en el que llevan a sus máximas consecuencias este planteamiento, realizando una serie de encuestas a través de internet y en diferentes países, para formar unas supuestas obras de arte de estética "democratizada" a base de reunir en una única pintura los elementos que más gustan a la mayoría, así como los que menos, de manera que se busca una intencionalidad meramente estética pero vacía de contenido y mensaje. Cuanto menos, es interesante y revelador ver y comparar el resultado de los diferentes países y a partir de ahí sacar cada uno sus propias conclusiones. Una obra con intencionalidad puramente estética convertida en objeto meramente conceptual... Podéis verla aquí..

LA PALA DE CASTELFRANCO DE GIORGIONE: BREVE ANALISIS...

Este año he profundizado en el estudio de los maestros venecianos de la época moderna y tengo que decir que he quedado deslumbrada por ellos y fascinada por la repercursión que tuvieron en todo el arte europeo desde el siglo XVI hasta nuestros días. Por eso mi primer "Breve análisis" sobre ellos va a estar dedicado a Giorgione (h.1477-1510), padre de la pintura veneciana, que ya el mismísimo Vasari consideró uno de los mejores representantes del arte de la pintura por llevar a cabo toda una serie de innovaciones que darían un giro de 180º a la historia de la pintura... en otras palabras: sin Giorgione la pintura europea hubiera sido taaaaaan diferente...

La obra que os presento es la conocida como "Pala de Castelfranco", realizada en torno al año 1505, un telero de grandes dimensiones que todavía se puede encontrar en su emplazamiento original en la Iglesia de San Liberal. Bajo la apariencia de una típica escena de "sacra conversazione", de composición piramidal conforme al gusto bajomedieval, comienzan a atisbarse elementos característicos del nuevo estilo que lo aleja del predominante estilo belliniano en la República. Por un lado el nuevo tratamiento de la naturaleza, que es copia del natural, alejándose del idealismo anterior y que se ve bañada con un cierto sfumato leonardesco; por otro, los rostros, que son verdaderos retratos, y una maestría espectacular a la hora de representar la carne, que tiene relación con la nueva manera de aplicar el color con pinceladas más gruesas y pastosas; algo que también fue extremadamente novedoso fueron los brillos en las superficies metálicas, como vemos en la armadura de San Liberal; por último, pero quizás más importante, y relacionado también con todo lo anterior, es el nuevo uso del color y la iluminación, teniendo en cuenta que en Venecia el cromatismo pasaba por el filtro de los reflejos de la luz en la "laguna", y así fue percibida por los pintores desde el momento en que Giorgione comenzó a acercarse a lo natural...

JOVEN MORDIDO POR UN LAGARTO DE CARAVAGGIO: BREVE ANALISIS

Inaguro esta nueva sección en mi blog con Joven mordido por un lagarto, obra de juventud del maestro Caravaggio (1471-1510) realizado en torno al año 1595. Esta obra realizada en sus primeros años muestra un Caravaggio que todavía no se preocupa por las grandes composiciones, con multitud de figuras, sino más bien por el análisis psicológico en este caso de un muchacho, con un rostro contraído por el dolor de la mordedura. La luz dirigida, proveniente de la izquierda, impacta directamente sobre el hombro y el rostro del muchacho, quedando la mitad del cuadro en penumbra, dando lugar al famoso claroscuro que caracteriza la obra de este pintor.

Caravaggio representa el naturalismo, frente al idealismo coetáneo de la familia Carracci, gustando de representar personajes de la calle, tipos cotidianos, a los que baña de una potente luz que genera fuertes contrastes con las zonas de sombra y que añaden dramatismo a la escena. Es reseñable la pequeña naturaleza muerta que completa la composición, con un jarrón de cristal que evidencia una ventana en la estancia y cuyos reflejos de luz contrastan en medio de esa zona de penumbra y nos habla de un gran creador de naturalezas muertas, hasta el punto de considerarse iniciador de este género pictórico.

BREVE ANALISIS...

Estoy pasando por otra de mis épocas de sequía bloguera y, como siempre, le echo la culpa a la falta de tiempo, principalmente por andar entre libros y apuntes para sacar unas notas medio decentes en los exámenes. Durante el mes de mayo he renunciado a salir, a la familia y amigos, a la feria y a mis clases de pintura... inevitablemente he tenido rondándome todo este tiempo la eterna pregunta de "¿merece la pena?".

"Hombre desesperado"
Courbet

Nunca he sido de hacer demasiados sacrificios (de ahí que me haya ido tan mal con las dietas) porque tengo  la convicción de que, ya que estamos por aquí dos días, no podemos estar perdiendo el tiempo en hacer cosas que no queremos y que no nos gustan... Para eso ya están las obligaciones con el Estado... Pero es cierto que a veces hago apología del sacrificio, renunciando a todas esas cosas a las que debería prestar más atención porque en definitiva son las cosas que importan en esta vida.
Con la resaca todavía reciente de la época de exámenes y, porqué no decirlo, la del fin de semana también, ya estoy bicheando las asignaturas que me esperan el año que viene y ya tengo morrilla de obras de arte, pintores y comederos de tarro, que en realidad es lo que va conmigo... Me confieso adicta, por eso voy a intentar aliviar el síndrome de abstinencia con pequeñas "píldoras" que llamaré: "Breve análisis"...próximamente en sus pantallas...

"FULLERIA"

Uno de mis bocetos

Llevo un par de años aprendiendo a pintar en mis pocos ratos libres y últimamente me ha dado por el retrato, a pesar de que estoy bastante verde en dibujo, por lo que me han enseñado a usar la socorrida cuadrícula para que la figura salga proporcionada y, sobre todo, "reconocible", en principio mi principal preocupación. Mi profesora dice que "es hacer trampas, pero menos" pues, aunque después tengo que calcar el dibujo al papel definitivo (que va a depender de la técnica con la que vaya a darle color), ese dibujo hecho gracias a la cuadrícula no deja de ser de mi propia mano. Siempre me he sentido un poco "fullera" con este método, pues yo aspiro algún día a poder hacerlo a mano alzada, sin ayuda de cuadrículas ni calcos, y presumir orgullosa de ello.

La lechera (hacia 1660)
Vermeer

Sin embargo, he hecho un descubrimiento que hace sentirme menos mal con esta pequeña fullería y al mismo tiempo ha despertado en mí algo de desencanto por uno de los artistas más importantes de la pintura holandesa del XVII. Si os hablo de La joven de la perla o de La lechera o incluso de Mujer leyendo una carta, muchos sabréis que estoy refiriéndome a Johannes Vermeer, uno de los mayores exponentes del naturalismo y la pintura costumbrista en Holanda, posible discípulo del mísmisimo Rembrandt y muy influenciado por Fabritius (seguramente se influenciaron mutuamente). Pues bien, hacia 1622 está documentada la entrada en Holanda de un aparato entonces revolucionario por su aplicación a las artes plásticas, y en un futuro a la fotografía; se trata de la "cámara oscura", un instrumento óptico que permite obtener una proyección plana de una imagen externa sobre la zona interior de su superficie (wikipedia), es decir, que la imagen se proyecta directamente sobre el papel y no hay nada más que marcar el contorno de esa imagen con un lápiz y, voilá!, ya tenemos el dibujo hecho para empezar a aplicar color. No se a vosotros, pero a mi me recuerda horrores a un juguete para niños que llevo viendo varios años en la campaña de reyes...

El caso es que, parece ser, Vermeer pudo usar una de estas cámaras oscuras, de gran formato además, fundamentando esta creencia en que acusa peculiaridades propias del empleo de este artilugio como es la poca profundidad del campo visual, las forzadas diferencias de tamaño entre las figuras, o la mezcla de zonas enfocadas y desenfocadas que se ven en algunas obras.
Pero mi estupor no se ha quedado sólo en saber que Vermeer hacía fullería; parece ser que el empleo de la cámara oscura como instrumento auxiliar de dibujo ya lo emplearon eminencias de la talla de Da Vinci y Durero, y más tarde también Canaletto, lo que hace cuestionarme el papel del dibujo en el proceso creativo, como elemento básico en el desarrollo de una obra, o como elemento secundario supeditado a la aplicación del color... cada caso es diferente, lo se, por eso no me voy a sentir acomplejada por usar una cuadrícula para guiarme a la hora de hacer un retrato porque ahora puedo decir: "más fullero era Vermeer!!!"

Bocetos de Canaletto hechos con cámara oscura

EXPOSICION DE NOVATOS Y NO TAN NOVATOS

Esta entrada sólo es para hacer difusión de la exposición de pintura que va a tener lugar a partir del lunes día 4 de marzo, en el patio barroco del Palacio de la Merced. El tema: los pueblos de Córdoba; los artistas: novatos y no tan novatos de la escuela de arte Anfora. Entre los primeros estoy yo, novata pero con mucha ilusión. Hasta el 17 de marzo os esperan nuestros cuadros, con la esperanza de que os gusten...

SONETO II



La verdad desvelada por el Tiempo
Bernini



Caben en mi mente grandes preguntas

de enormes dudas y pequeñas respuestas;

caben en mi boca rotundas sentencias,

con graves palabras de fácil gramática.

Se amontonan signos de interrogación

que nublan mi voz con sus sospechas,

y derraman borbotones de verdades

que inundan tus suaves oidos.

No hay peor tortura que escuchar

cuando la palabra sale del alma

y se estrella con la realidad.

Y no hay mejor fortuna que tener,

entre tanta falsedad,

al que de su alma te de su verdad.