LOS CONTEXTOS

Piet Mondrian
Broadway Boggie Woggie(1942)

Es fácil caer en la tentación de juzgar a las personas sin conocerlas, sólo viendo su aspecto exterior, tan fácil que lo aprendemos casi sin querer desde pequeñitos y cuando llegamos a cierta edad nos creemos una mezcla entre psicólogos y estilistas, poniendo etiquetas a todo el mundo sin tener realmente ni idea de los porqués de esa persona. Los porqués son fundamentales, son la base de todo conocimiento, y sin embargo poca gente se preocupa por ellos, por qué? porque es más fácil emitir un juicio de valor basado en lo que el ojo inmediato ve, que posponerlo hasta reunir pruebas empíricas para demostrarlo; lo primero es una simple creencia, lo segundo puede llegar a ser una certeza. Y así transcurre nuestra vida, entre creencias.
De esas creencias ha habido muchos que se han aprovechado de una manera u otra, pero también esas creencias han perjudicado, quizás con más frecuencia, a individuos y a colectivos enteros; por supuesto, está hablando mi faceta de historiadora (término que por cierto se me queda muy grande) que se siente frustada ante los prejuicios que genera el Arte Moderno, pero Moderno de actual, del siglo XX, porque para los libros el arte moderno es el renacentista y barroco, aunque ya dejara de ser moderno hace tiempo...pero eso es otro tema...
El arte no figurativo tan típico del reciente siglo XX, abstracto si preferís generalizar, ha sido siempre víctima de ese pre-juzgar sin conocer, de ese tan típico "eso es arte?" y del mundialmente conocido "eso también lo se hacer yo", como si las vanguardias artísticas se hubieran formado de un día para otro, así como así, sin motivo, porque sí, como el que hace un garabato en un papel mientras habla por teléfono...

George Grosz
Autómatas Republicanos (1920)

Hay que trasladarse al momento histórico en el que empieza a gestarse, al contexto que influyó sobre el ambiente político, social, económico y, por supuesto, artístico, porque el Arte, no lo olvidemos, forma parte de la vida desde que el hombre es hombre y como tal se va transformando al mismo tiempo que él. Pues bien, aunque no hayamos pasado por ello es fácil imaginar los horrores que supone una guerra, pero no una guerra cualquiera, la Gran Guerra, la I Guerra Mundial, un sin-sentido político que aprovechó los nuevos avances tecnológicos para matar, o dicho de otra manera, la industria que en un principio estaba pensada para mejorar la vida del hombre, una industria imaginada, pensada y llevada a cabo por el raciocinio del hombre, se convirtió en su peor enemigo.
El desencanto generalizado ante estos dos elementos, el progreso y la razón, inundó el espíritu de toda la sociedad europea y, ante tal frustación, los dadaistas plasmaron como nadie ese pesimismo declarándose en contra de todo, principalmente de esa razón que les había llevado a la guerra, con una actitud provocadora. Dadá no significa nada, como dijo el propio Tristan Tzara, uno de los padres del movimiento, aunque en Alemania tomó tintes políticos manifestándose claramente comunista. De una tendencia más positiva surgió el Surrealismo, del que todos conocemos a Dalí, y que siguiendo esa misma base de irracionalidad se sumergió en el mayor estado de inconsciencia, los sueños, regalándonos unas composiciones fantásticas y evocadoras que provienen de lo más profundo del artista.

Tatlin
Monumento a la III Internacional (1919)

Al mismo tiempo en Rusia, el Arte seguía sus propios derroteros; después de derrocar al régimen zarista, Lenin abogaba por una libertad que también fue extensiva al Arte, desarrollándose manifestaciones de diversa índole, tanto realistas como abstraccionistas, aunque lo que caracterizó al arte ruso, durante las primeras décadas de siglo y hasta la llegada de Stalin al poder en 1924 fue el movimiento Constructivista, también basado en una industria en auge y en una supuesta utilidad que, sin embargo, no era tal, como demuestra el Monumento a la Tercera Internacional de Tatlin, que sólo se quedó en proyecto aunque es todo un símbolo del Productivismo ruso.
Las guerras provocaron la emigración a Estados Unidos, neutral en un primer momento, y allí se afincaron muchos artistas europeos que fueron fundamentales en el desarrollo del arte americano, por eso el calificativo de "americano" es muy discutible...
Podríamos estar hablando horas: Realismo socialista, Nueva objetividad, Realismo americano, Abstracción geométrica, Abstracción fría, Op Art, Pop Art....son tantas las corrientes, movimientos, manifiestos e intencionalidades que se suceden durante el siglo XX, con sus porqués incluidos, que se considera el período más fructifero de toda la Historia del Arte. Merece la pena investigarlo un poco antes de juzgarlo, porque en definitiva forman parte de nuestra Historia. son al mismo tiempo consecuencia y explicación de los contextos...
Me viene como anillo al dedo algo que dijo el gran Picasso: "Yo no leo inglés, un libro de inglés es para mí un libro en blanco. Esto no quiere decir que no exista la lengua inglesa, y ¿por qué habría de culpar a nadie sino a mí mismo de no comprender aquello de lo que no se nada?

MOUVNT: ARTE INFORMATIZADO

He empezado el año de forma bastante inusual en muchos aspectos, por eso he decidido que la primera entrada de este 2014 no puede ser menos, y aunque no pueda prescindir de la temática artística, voy a recurrir al arte contemporáneo que normalmente intento evitar, pues ya he confesado en varias ocasiones mi estupefacción  y sobre todo mi sentimiento de estupidez total ante alguna de estas manifestaciones que llaman artísticas. Intentando comprender el Arte del siglo XX me he encontrado con ésto, escultura MOUVNT la llama su autor, y aunque a primera vista os pueda parecer un montón de blandiblú descolorido, esconde detrás todo un complejo proceso...informático nada menos.

Escultura MOUVNT (1972) 

Jose Luis Alexanco ejemplifica perfectamente el empeño, de gran parte del arte de vanguardia de la segunda mitad del siglo XX, de investigar nuevos materiales y métodos de trabajo que dejaran atrás lo convencional y tradicional, para desarrollar un arte y una forma de expresión artística novedosa. Este artista madrileño, fiel a la abstracción y preocupado por la figura humana, pasó durante el período comprendido entre 1968 y 1973 por el Centro de Cálculo de la Universidad de Madrid, donde aprendió lenguaje de programación, en concreto Fortran IV y, posteriormente, a manejar el programa MOUVNT con el que se convirtió en el pionero español en el tratamiento automático de las imágenes.

En una etapa inmediatamente precedente, se había centrado en el problema del movimiento y la transformación, así como en el intento por neutralizar el aspecto psicológico del acto creador, por lo que la experimentación con la “máquina” será el culmen de su producción escultórica. El resultado de esta interacción hombre-máquina, es la materialización de la idea en láminas superpuestas de resina que configuran diferentes formas, como podemos ver en la imagen que se adjunta, una de las trescientas esculturas diferentes basadas en dicho método. Sus esculturas MOUVNT muestran su preocupación por la búsqueda del movimiento, la continuidad y el dinamismo, así como por la posibilidad de transformar cualquier forma no geométrica en tridimensional. Del mismo modo, para Alexanco son fundamentales las etapas del proceso y los diversos problemas técnicos que se van presentando, llegando a lo que Serraller ha señalado como “la desmaterialización de la obra resultante”, en la que la despreocupación por el aspecto estético es directamente proporcional al interés por el aspecto procesual.

No voy a entrar en si me gusta o no me gusta, en si es bonito o feo, o en si el amarillo es un color gafe o no... sólo os voy a decir que tengáis en cuenta que este artista trabajó en la prehistoria de la informática y consiguió llevar a cabo muchas de las ideas que rondaban por las cabezas de artistas tan dispares como Picasso, Boccioni, Bretón, Malevich o Richard Serra.